Donald Kuspit über Athena LaTocha

Athena LaTocha, Untitled No. 2 (Detail), 2022, Schellacktinte, Erde vom Green-Wood Cemetery, Abbruchsediment von einer Baustelle in Brooklyn und Glasmikroperlen vom New York State Department of Transportation auf Papier, maßgefertigter Künstlerrahmen aus Rohstahl , 18 1⁄2 × 27 × 2".

Wenn „das Medium die Botschaft ist“, wie der Philosoph Marshall McLuhan einmal sagte, dann ist die Botschaft der Kunst von Athena LaTocha der Tod. Die zehn Mixed-Media-Abstraktionen, die hier in der Ausstellung der Künstlerin zu sehen sind, bestehen aus Erde, die auf dem Green-Wood Cemetery in Brooklyn gesammelt wurde, zusammen mit Trümmern von Abbruchstellen, pulverisierten Baumaterialien und den Glasmikroperlen, die in der Verkehrsfarbe verwendet werden und aus der sie Material bezieht das New York State Department of Transportation. LaTochas gerahmte Kompositionen destillieren die Sterblichkeit zu einem Konzentrat, unverdünnt durch jegliche Andeutungen des Lebens – es sei denn, sie enthalten die Art von Glasperlen, die als „Samenperlen“ bezeichnet werden, was vielleicht darauf hindeutet, dass die Rückgewinnung von Ödland zum Wohle der eigenen kreativen Bemühungen es zu einer fruchtbaren Zutat macht . Dass ihr Schmutz von einem Friedhof stammt, deutet darauf hin, denn Green-Wood ist nicht unbedingt ein brachliegender und krankhafter Ort, wenn man die gesamte Flora und Fauna bedenkt, die ihn bewohnt. War die Untrennbarkeit von Leben und Tod das implizite Thema von LaTochas Ausstellung? Ihre Version von Gotham ist nicht gerade „Fun City“, wie der ehemalige Bürgermeister John Lindsay New York im Jahr 1966 charakterisierte. Es ist eher ein Paradies für Pflücker.

Der in Brooklyn lebende Künstler Hunkpapa Lakota und Ojibwe ist in Alaska aufgewachsen. Schon früh wurde ihr bewusst, welche verheerenden Auswirkungen Öl- und Gasbohrungen auf die „schroffe Monumentalität“ ihres Heimatstaates hatten, wie sie auf ihrer Website erklärt. Ohne Frage sind ihre Werke ein Memento mori dafür. In gewisser Weise eignet sich LaTocha wieder an, was die Regierung der Vereinigten Staaten den amerikanischen Ureinwohnern weggenommen hat. Tatsächlich spinnt sie Gift in Gold: Auch wenn ihre Kunst aus Ausbeutung und Dunkelheit besteht, gelingt es ihr, ihr großes Licht zu verleihen. Nehmen Sie Untitled No. 3, 2022, einen horizontalen Streifen aus bunten Weiß-, Braun-, Schwarz- und muffigen Rottönen, der an eine erhabene Landschaft am Rande des Untergangs erinnert, oder Untitled No. 4 aus demselben Jahr, eine wunderbare Abstraktion, die Erinnerungen weckt JMW Turners Gemälde mit ihrer dämmrigen Farbpalette und stürmischen Texturen. LaTochas „Bilder“, wenn man sie so bezeichnen will, sind von dunklen Metallrahmen eingefasst. Eine solche Präsentation verleiht dem Werk eine deutlich düstere Qualität, als ob jedes Stück liebevoll in seinem eigenen schweren Sarkophag aus rohem Stahl ausgestellt wäre.

LaTocha ist eine Protestkünstlerin, und ihr Werk nimmt einen wichtigen Platz in der Geschichte der feministischen und indianischen Aktivistenkunst ein. Ihre Bilder fungieren in gewisser Weise auch als Erdwerke, wenn auch nicht so selbstverherrlichend wie Robert Smithsons Spiral Jetty, 1970, oder so raumgreifend wie Walter De Marias New York Earth Room, 1977. Stattdessen lädt LaTocha den Betrachter zu einer intimen Beziehung ein mit unserem verblassenden Planeten und einem Großteil des giftigen Abfalls, der ihn geformt hat. Wie Percy Bysshe Shelley in seinem Gedicht „Ozymandias“ von 1818 vermittelt der Künstler die Verzweiflung, die mit dem Tod einhergeht, anstatt sie mit Größenwahn zu leugnen. „Schau auf meine Werke, du Mächtiger, und verzweifle!“ schreibt Shelley. „Nichts anderes bleibt übrig. Rund um den Verfall / Von diesem kolossalen Wrack, grenzenlos und kahl / Der einsame und ebene Sand erstreckt sich weit weg.“ Die Stücke in dieser Ausstellung waren schonungslos körperlich, subtil konzeptionell und zutiefst emotional. Obwohl in Umfang und Material bescheiden, war jedes Werk in Umfang und Geist gigantisch.

– Donald Kuspit