Willem Dafoe spricht über Charakterdarbietung und Ambitionen

Angelo Muredda 7. Juni 2023

„Du hasst es, dich zu wiederholen“, sagt Willem Dafoe mit seiner ausgeprägten rauen Stimme – die man sofort aus vielen Projekten erkennt, aber mit einem anmutigen Ton, der ganz ihm eigen ist.

Der vierfache Oscar-Nominierte, der in einer Drehpause am Sonntagnachmittag aus Rom telefoniert, klingt liebenswürdig und nachdenklich und blickt auf eine beeindruckende Anzahl von Veröffentlichungen im nächsten Jahr oder so, einschließlich einer kurzen Rolle in Wes Andersons „Asteroid“ in diesem Sommer City, sein fünftes Projekt mit dem Regisseur, sowie Schlüsselrollen in „Poor Things“ von Yorgos Lanthimos und „Nosferatu“ von Robert Eggers.

„Es geht nicht darum, Vielseitigkeit zu demonstrieren, sondern vielmehr darum, etwas zu lernen, ein Abenteuer zu erleben, voranzukommen und etwas anderes zu machen.“

Dafoe hat einige der vielfältigsten Projekte übernommen, die man sich vorstellen kann, von Oliver Stones Platoon (1986) und Abel Ferraras Pasolini (2014) bis zum Marvel-Kassenriesen Spider-Man: No Way Home (2021). Aber für ihn ist die Bandbreite selbst groß nicht der Punkt. „Es geht nicht darum, Vielseitigkeit zu demonstrieren“, sagt er, „es geht vielmehr darum, etwas zu lernen, ein Abenteuer zu erleben, voranzukommen und etwas anderes zu machen.“

Eine Typisierung ist unmöglich, obwohl er eine Reihe von Rollen gespielt hat, die sowohl den Filmemachern als auch den Kritikern im Gedächtnis geblieben sein könnten – einschließlich des bestialischen, aber verletzlichen Max Schreck in Shadow of the Vampire (2000), des Charakterdarstellers als Monster und ein entschieden fehlbarer Jesus in „Die letzte Versuchung Christi“ (1988) – Dafoe führt seine Formbarkeit nicht auf eine konzertierte Anstrengung seinerseits zurück, aus der Norm auszubrechen, sondern auf seinen Instinkt, Projekte und Charaktere auszuwählen, die ihn begeistern. „Ich bin kein Typ, der die Dinge, die er weiß, rauskarren will“, sagt er. „Ich möchte eine Ausbildung am Arbeitsplatz.“

Im Laufe seiner mehr als 40-jährigen Karriere, die im experimentellen Theater in New York begann, wo er Gründungsmitglied der Wooster Group war, hat Dafoe zahlreiche Ausbildungen in verschiedenen Arbeitsbereichen erhalten, von der Malerei über das Filmemachen bis hin zur Beratung bewaffneter Raub. Er wird für seine Fähigkeit geschätzt, seinen ikonischen Charakter zu bewahren und gleichzeitig souverän in die Haut praktisch jeder Art von Person zu schlüpfen, wobei seine einzigartige Körperlichkeit und seine beeindruckende Präsenz auf dem Bildschirm sich immer perfekt in die anstehende Aufgabe einfügen.

Zu Beginn seiner Karriere schienen einige jedoch bestrebt zu sein, Dafoes eigenwillige Präsenz in flüchtige, sexuell aufgeladene und gefährliche Charaktere zu kanalisieren – zumindest Männer, denen man nicht zutrauen würde, auf die eigenen Sachen zu achten, wenn nicht sogar regelrechte Bösewichte. Als wir ihn beispielsweise zum ersten Mal bei seinem Debüt auf der Leinwand als launischen Motorradprotz in „The Loveless“ (1982) von Kathryn Bigelow und Monty Montgomery sehen, neigt sich die Kamera nach oben, um seinen geschmeidigen Körper, seine intensiven grauen Augen und seine markanten Wangenknochen aufzunehmen. Seine mit der Lederjacke geschmückte Figur war das perfekte Bild des bösen Motorrad-Schmierjungen, als er sein perfekt gekämmtes Haar zurückkämmte, als wüsste er, dass wir ihn ansahen. Die Kamera war von Anfang an von seiner schwelenden Fremdartigkeit begeistert.

„Ich bewundere Filmstars insofern, als sie manchmal eine Persönlichkeit finden und dann in Projekten arbeiten, die diese Persönlichkeit unterstützen […] Aber ich bin herumgesprungen. Ich klammere mich nicht an eine bestimmte Art und Weise, wie ich sein möchte.“

Dafoe denkt darüber nach, ob sein einzigartiges Aussehen schon früh eine Hilfe oder ein Hindernis war. „Am Anfang“, sagt er, „hatte ich viel mehr Angst vor der Typisierung, Angst davor, eingeschränkt zu werden, wenn es darum ging, gesehen zu werden und was man tun konnte.“ Was seine einschüchternde Präsenz als sehniger, magnetischer Antagonist in frühen Filmen wie Walter Hills Streets of Fire (1984) und William Friedkins To Live and Die in LA (1985) betrifft, betont er, dass er im Laufe der Jahre nicht weniger körperlich geworden sei : „Es liegt einfach in meiner Natur und auch in meinem Hintergrund im Theater, das eine sehr körperliche Art von Theater ist und war“, lacht er.

Aber er räumt ein, dass es stimmt, dass er gegen Leute kämpfen musste, die seine frühen Rollen gegen ihn vertraten. „Wenn man anfängt“, erzählt er mir, „wenn man auf herkömmliche Weise nicht gutaussehend oder auf eine erkennbare Art und Weise attraktiv ist, sind die besten Rollen Charakterrollen. Und die besten Charakterrollen für einen jungen Mann sind normalerweise Bösewichte. Aber nachdem ich.“ Ich habe einige Filme gedreht und sah, dass die Leute mich auf eine bestimmte Art und Weise sahen. Mir war bewusst, dass ich das nicht als Stempel festhalten wollte. Ich habe kein Interesse daran, vielseitig zu sein. Das ist nur das, was ich persönlich nicht möchte dazu berufen zu sein, das zu tun, was ich tue.

Sein Ruf, stets originell zu sein, hat den Bekanntheitsgrad zahlreicher kleiner Independent-Filme gesteigert, von denen er mehrere Oscar-Nominierungen erhielt. Aber Dafoe besteht darauf, dass er immer danach gestrebt hat, ein Schauspieler zu sein, der in verschiedene Rollen schlüpfen und wechseln kann, und nicht ein Filmstar, von dem das Publikum eine bestimmte Art von Leistung erwartet. „Ich bewundere Filmstars insofern, als sie manchmal eine Persönlichkeit finden und dann in Projekten arbeiten, die diese Persönlichkeit unterstützen“, sagt er und gibt zu, dass es sehr schön anzusehen sein kann, einen Star im richtigen Projekt zu sehen. Aber ich „Ich bin herumgesprungen. Ich klammere mich nicht an eine bestimmte Art und Weise, wie ich sein möchte.“

Das beweist der Umfang und die Vielseitigkeit seiner Filmarbeit. Trotz all seiner Fähigkeiten als Bösewicht ist Dafoe auch einer der besten Schauspieler, die wir haben, wenn es darum geht, eine Art problematischen Anstand darzustellen. Wir sehen es nicht nur in seiner Darstellung als Scorseses Jesus, der davon träumt, seine Berufung, als Messias zu sterben, aufzuschieben, um als Mann zu leben, sondern auch in seinem zum Scheitern verurteilten Sergeant Elias in Platoon – einer liebevollen Glucke, die seine jungen Infanteristen unterrichtet und sie unterrichtet welche Ausrüstung sie tragen müssen, um zu überleben, und welche sie ablegen können, um leichter auf den Beinen zu sein – sowie sein grundsätzlich freundlicher, aber moralisch kompromittierter Drogendealer in Light Sleeper.

„Wir sind alle ein bisschen böse, wir sind alle ein bisschen gut, und die Proportionen variieren bei jedem Menschen. Es macht immer Spaß, das Süße in einem Bösen und die Dunkelheit in einem Guten zu finden.“

Besonders deutlich wird dies in seiner Oscar-nominierten Rolle in „The Florida Project“ (2017). Warmherzig und gesellig – und wie Dafoe schnell zum Lachen – ist Bobby, der Manager seines Budget-Motels, in Sean Bakers Film nicht nur ein Verwalter und Handwerker, sondern auch ein inoffizieller Sozialarbeiter für die prekär untergebrachten Bewohner, die durch seine Türen kommen.

„Ich möchte manchmal diese Person sein“, sagt er über großzügige Charaktere, die Opfer für andere bringen. „Es macht Spaß, mit bösen Impulsen zu spielen, weil man sie im Leben nicht ausführt. Aber wenn man über die Funktion des Geschichtenerzählens nachdenkt, ist es schön, wenn man das Gefühl hat, etwas Positives vorzubringen, das die Menschen dazu inspirieren kann, zu sagen: ‚‘ Ich muss freundlicher sein.‘ Das klingt ein bisschen nach Pollyanna, aber in Filmen ist es immer die Freundlichkeit, die mich erregt.“

Das heißt aber nicht, dass es keinen Spaß macht, Charaktere zu spielen, die ihre Moral beugen, um ihren Willen durchzusetzen. „Niemand ist nur eine Sache“, sagt er. „Wir sind alle ein bisschen böse, wir sind alle ein bisschen gut, und die Proportionen variieren bei jedem Menschen. Es macht immer Spaß, das Süße in einem Bösen und die Dunkelheit in einem Guten zu finden. Das versteht sich fast von selbst.“ . Aber manchmal ist es etwas schwierig zu üben.“

„Wenn man körperlich beschäftigt ist, ist die Wahrscheinlichkeit größer, dass man in Schwung kommt, denn wenn man zu viel im Kopf hat, entstehen bestimmte Erwartungen und ironischerweise auch Einschränkungen. Man kann zu viel nachdenken.“

Übung ist Dafoe wichtig, für die die Grundlage aller Schauspielerei eher das Tun als das Fühlen ist: „Es geht ums Zuhören, es geht um Bewegung, es geht um Rhythmus, es geht um Musik.“ Diese Aktion beginnt damit, dass er sich in der Haut und den Knochen seiner Charaktere verankert. „Es beginnt immer mit dem Physischen und es endet mit dem Physischen“, sagt er über den Reiz von Draht- und Actionprojekten wie seiner Rolle als Norman Osborn in den Spider-Man-Filmen. „Wenn man körperlich beschäftigt ist, ist die Wahrscheinlichkeit größer, dass man in Schwung kommt, denn wenn man zu viel im Kopf hat, entstehen bestimmte Erwartungen und ironischerweise auch Einschränkungen. Man kann zu viel nachdenken.“

Kein Wunder für einen Schauspieler, der einige seiner besten Leistungen als taktile Männer erbracht hat, die mit ihren Händen Dinge erschaffen (oder stehlen) – darunter sein Falschgeldverdiener und Maler Eric Masters in Friedkins Film oder Vincent Van Gogh in Julian Schnabels At Eternity's Gate ( 2018), für den er seine vierte Oscar-Nominierung und seine erste als Hauptdarsteller erhielt – Dafoe schätzt Konkretes. Er ist begeistert, wenn er von Kostümen und Make-up als Werkzeugen spricht, um aus dem eigenen Kopf in den Kopf der Figur zu gelangen, und nennt sie „Auslöser zum Vortäuschen“. In Anspielung auf sein ausschweifendes Auftreten als zwanghaft gewalttätiger Berufsverbrecher Bobby Peru in David Lynchs „Wild At Heart“ (1990) führt er das erste Mal, als er sich das Gebiss der Figur in den Mund steckte, als Hilfe bei der Suche nach der Figur an.

„Als ich diese faulen Zähne in meinen Mund steckte, konnte ich meinen Mund nicht schließen“, sagt er. „Und wenn man den Mund ständig offen hält und durch den Mund atmet, bekommt man ein Gefühl von Faulheit, eine Art Laszivität. Das war ein entscheidender Schlüssel für die Figur.“ Kostüme und Make-up-Auswahl wie der buschige Bart und die Pfeife, die sein hagerer Leuchtturmwärter Thomas in „The Lighthouse“ (2019) trägt, oder seine rote Mütze und die babyblauen Shorts als Klaus in „The Life Aquatic“ mit Steve Zissou (2004) „machen das aus“, sagt er Welt, und du stehst dahinter. Manchmal lösen sie etwas in deiner Fantasie oder aus deiner Kindheit aus. Anstatt diese Dinge emotional zu gestalten, wird dir etwas präsentiert, das dich einfach dazu zwingt, eine bestimmte Art und Weise zu sein.“

Während einige Schauspieler es genießen, sich vor den Dreharbeiten in die Psychologie und emotionalen Tiefen ihrer Figuren einzuarbeiten, spricht Dafoe oft von der Freude, sich durch diese konkreten Zeichen dessen, wer sie sind und was sie tun, in das Verhalten seiner Figuren hineinzwingen zu lassen, was er größtenteils darauf zurückführt die Vorstellungskraft und Klarheit von Filmemachern, die wissen, was sie wollen. In den letzten Jahren hat Dafoe mit einer Reihe aufstrebender Autoren wie Eggers und Baker zusammengearbeitet – die er nach eigenen Angaben ausdrücklich für Projekte ausgewählt hat – und mit Stylisten wie Yorgos Lanthimos im kommenden Film „Poor Things“ sowie mit einer Reihe regelmäßiger Mitarbeiter wie Schnabel, Ferrara, Anderson und Lars von Trier.

„Das eigentliche Tun ist so ein Vergnügen und so ein Geschenk. Es ist ein gutes Leben.“

„Ich habe das Gefühl, dass die besten Regisseure diejenigen sind, die eine Welt so vollständig machen“, sagt er über seine Vorliebe für den Wechsel zwischen neuen Kollegen und alten Favoriten, „dass man sie betritt und sehr klar wird, was man tun muss.“ . Und das Vergnügen besteht darin, es zu tun und zu sehen, was passiert, und es an einen Ort zu bringen, den man sich nicht vorstellen kann.“ So frustrierend das Geschäft auch sein mag, bezeugt er, dass die Zusammenarbeit mit Regisseuren mit einer verständlichen Vision eine Freude sei, so als würde man zum Soldaten in ihrem Kampf. „Das eigentliche Tun ist so ein Vergnügen und so ein Geschenk. Es ist ein gutes Leben.“

Das Leben ist jedoch am schönsten, wenn die Rollen ihm viel abverlangen. Dafoe schätzt kleine Teile, bei denen er das Gefühl hat, dass er etwas beisteuern kann, oder bei denen es ihn dazu bringt, mit einem Regisseur zusammenzuarbeiten, den er bewundert, aber sie sind nicht das, was ihn trägt; Sie können sich nicht mit der Weitläufigkeit von Rollen vergleichen, die mehr von ihm verlangen, sagt er. „Man kann tiefer vortäuschen, wenn man eine zentralere Rolle spielt“, sagt er.

Diese Position wird durch die Spezifität und Großzügigkeit untermauert, mit der er sich am Vorabend seiner kleinen Rolle in Asteroid City an seine Zeit bei der Arbeit an The Life Aquatic erinnert, seiner größten Rolle für Anderson, die er als eine eher improvisierte Arbeitserfahrung beschreibt seine anderen Kooperationen mit dem bekanntermaßen ästhetisch anspruchsvollen Filmemacher.

„Er hatte die gleiche Akribie, Kontrolle und Klarheit“, sagt er über ihre erste Zusammenarbeit, „aber was den eigentlichen Dialog und die Figur angeht, war er etwas lockerer. Das hat Spaß gemacht, weil da Platz für mich war.“ hineinzufalten. Es gab eine Einstellung, in der er sagen würde: „Willem, geh da rein.“ Ich war nicht Teil dieser Szene, aber er hat mich hineingebracht und dann haben wir etwas erschaffen. Life Aquatic liegt mir am Herzen.“

Dafoe schätzt auch seine Zusammenarbeit mit Ferrara, dessen emotional ungeschminkter, nackt autobiografischer und unbekümmerter Ansatz zumindest von außen betrachtet diametral entgegengesetzt zu Andersons Anspruchslosigkeit aussieht. Ihre gemeinsame Arbeit hat einen persönlicheren, intimeren Ton angenommen, beginnend mit 4:44 Last Day on Earth aus dem Jahr 2011, einem zarten Kammerstück über Häuslichkeit, Liebe und alte Gewohnheiten am Ende der Welt. „Ich liebe es, dass er ein Selbststarter ist“, sagt er über Ferrara. „Ich liebe es, dass er nicht wartet. Ich liebe es, dass er leidenschaftlich ist. Er lebt vom Film. So etwas wie Tommaso (2019) ist ein völlig improvisierter Film, vielleicht mit Ausnahme einiger geschriebener Szenen. Und er flüstert im Grunde nur hinein.“ Mein Ohr, was er sieht, und dann versuchen wir es zu tun. Als treuer Soldat in Ferraras kreativem Kampf spricht Dafoe gemäß seiner eigenen Kriegsmetapher davon, Filmemachern wie ihm, mit dem er eine Kurzschrift und eine Geschichte hat, eine Art Dienst zu erweisen. „Da besteht eine Bindung“, sagt er, „und wenn er mich braucht, um etwas zu tun, bin ich gerne da, weil ich gerne Teil seiner Geschichte bin. Ich denke, das gilt für alle Regisseure, mit denen ich mehr zusammengearbeitet habe.“ als einmal. Ich mag es, Teil der Struktur ihrer Arbeit zu sein.“

„Entspannen Sie sich ein wenig und finden Sie dann eine andere Mission, eine andere Familie, eine andere Zusammenarbeit, eine andere Sache, die Sie machen können.“

Bei all seinem Wunsch, voranzukommen, anstatt auf alte Rollen oder alte Fähigkeiten zurückzugreifen, gibt Dafoe zu, dass es melancholisch sein kann, solch denkwürdige Dienstreisen hinter sich zu lassen und zum schauspielerischen Äquivalent des Zivillebens zurückzukehren. „Ich habe gerade Nosferatu abgeschlossen“, erzählt er mir, „und ich habe darüber nachgedacht, wie bittersüß es immer ist, einen fertigzustellen, egal wie viele Filme ich gemacht habe, weil man wie ein Mann ohne Land ist. Du hattest einen Mission, Sie hatten diese Zusammenarbeit, zu der Sie eingeladen wurden, und manchmal findet sie an einem sehr exotischen Ort statt, oder an einem Ort, an dem Sie sich nicht wohl fühlen, und Sie müssen einen Weg finden, es sich bequem zu machen. Das verstehen Sie aus deinem Leben genommen und du hast für eine gewisse Zeit dieses Parallelleben, und du widmest dich dem und etwas passiert. Und dann beendest du deine Arbeit und fragst dich: „Wow, was war das?“

Dennoch klingt er für einen Mann mit so vielen parallelen Leben furchtbar ausgeglichen und gut gelaunt – gekitzelt von der Möglichkeit, dass er bald ein anderes Leben führen kann. „Es ist ein sehr seltsames Gefühl“, sagt er über die traurige Zeit unmittelbar nach Abschluss eines Projekts, für das er wochen- oder monatelang sein Bestes gegeben hat. „Aber nach einer Weile hast du es so weit, dass du erkennst, dass es dich nicht umbringen wird.“ Dafoe ist kein Workaholic, sondern ein Abenteurer. Er ist immer auf der Suche nach dem, was als nächstes kommt, angetrieben von einer inneren Stimme, die ihn aus dieser anfänglichen bittersüßen Flaute heraus motiviert, über das nächste Kapitel nachzudenken. „Entspannen Sie sich ein wenig“, sagt es ihm, „und finden Sie dann eine andere Mission, eine andere Familie, eine andere Zusammenarbeit, eine andere Sache, die Sie machen können.“

Fotografie:Charlie Gray (LGA-Management)

Styling:Jay Hines (Die einzige Agentur)

Körperpflege:Brady Lea bei Premier Hair & Make-up mit Shakeup Cosmetics

Haar:Sam McKnight

Stylistenassistent:Marzia Cipolla

Fotoassistent:Samuel Donnini

Hersteller:Simona Silvano

Feature-Foto-Look:Prada

Gedreht vor Ort im Anantara Palazzo Naiadi Rom.

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