Die 7 besten neuen Strickwarenmarken des Jahres 2022

Lernen Sie die nächste Generation von Strickwarendesignern kennen.

Wenn Sie an hochwertige Strickwaren denken, fallen Ihnen wahrscheinlich zuerst die traditionsreichen Namen ein – von Loro Piana bis Brunello Cucinelli. Vielleicht steht sogar The Row mit seinen übergroßen Deckenpullovern und weiten Rollkragenpullovern ganz oben auf Ihrer Liste. Und das aus gutem Grund: Sie sind zuverlässige Klassiker. Wenn Sie sich an Missoni oder Marni wenden, wissen Sie, dass Sie makellose Handwerkskunst erhalten und einen tollen Pullover haben, den Sie Ihrer Sammlung hinzufügen können. Aber die nächste Generation von Strickwarendesignern ist da – und sie halten sich nicht unbedingt an die alten Regeln.

Die besten neuen Strickwarenmarken rekontextualisieren die Branchennische und lenken sie in eine umfassendere und in einigen Fällen unkonventionelle Richtung. Sie stellen nicht nur fachmännisch gefertigte und raffinierte Strickwaren her (das tun sie natürlich auch), sondern stellen auch sicher, dass ethische und nachhaltige Praktiken an erster Stelle stehen und dass die Branche hört, was sie zu sagen haben.

Treffen Sie im Voraus sieben führende Mitglieder des aufstrebenden Strickwaren-Publikums und finden Sie heraus, wie sie die Pullover-Szene revolutionieren, um sie zum Spiegelbild der Zukunft zu machen, die sie sehen möchten.

Cherry und Home Phuangfueang wissen, dass die letzten Jahre nicht einfach waren. Die Trauer, das Trauma und der ständige Aufruhr, diese „beispiellosen Zeiten“ und „neuen Normalitäten“ – das thailändisch-amerikanische Designduo ist hier, um für eine Atempause von all diesen Konflikten zu sorgen. „Kleidung kann sehr emotional sein“, sagt Cherry zu Maire Claire. „Ein wichtiger Aspekt unserer Marke Nong Rak bestand darin, die taktile Natur von Wearables hervorzuheben und zu zeigen, wie therapeutisch eine sensorische Verbindung in unserer übermäßig digitalisierten und industrialisierten Landschaft sein kann.“

Die Arbeit der Phuangfueangs ist sentimental und beruhigend – wie eine Umarmung deiner Mutter, die deine Sorgen zerstreut und dich wissen lässt, dass alles gut wird. Und die Stücke des Ehepaares (Nong Rak ist thailändisch für „junge Liebe“ – wie süß, nicht wahr?) fühlen sich wie eine Salbe für die Seele an. Flauschige Wolle mit einer zuckerwatteähnlichen Textur; Kuschelige Pullover in bunten Streifen, kuschelige Schals und Mützen, die Lust darauf machen, wie ein Baby gewickelt zu werden.

„Vieles davon“, erklärt Cherry, „besteht darin, dass die Materialien zuerst ihre Geschichte erzählen, mit Details wie ihren Farben und Texturen, einer Hommage an die Tiere, von denen die Fasern abgeschnitten sind, der Aufrichtigkeit des Designs usw. und wie diese aussehen.“ kann letztendlich die Gefühle des Trägers beeinflussen.“ Dieser durchdachte Ansatz lässt sich am besten an den Mohairstücken des 2018 gegründeten Labels erkennen, einer Kombination aus altem Garn und Schurwolle, die von Angoraziegen gesponnen wird. Vielleicht haben Sie die lebhaften Mohair-Stücke der Marke – denken Sie an strukturierte Sturmhauben, kinetische Pulloverkleider und Floppy-Baskenmützen – kürzlich in einer Zusammenarbeit mit Heaven von Marc Jacobs im Frühjahr 2022 gesehen, die das Internet wie Süßigkeiten verschlungen hat.

„Wir verbringen viel Zeit damit, moderne Mohairgarne bester Qualität von kleinen Farmen in den USA zu beschaffen, wobei das Wohlergehen der Tiere für uns oberste Priorität hat. Wir möchten sicherstellen, dass unsere Stücke aus beliebten Tieren hergestellt werden.“ Wolle, und wir hoffen, dass man das in den streichelnden Qualitäten unserer Arbeit spüren kann“, sagt Cherry. „Der Prozess ist sehr langwierig“, meint Home, „und erfordert viel Muskelkraft, da die Kleidungsstücke sehr sorgfältig von Hand gezähnt und gebürstet werden müssen“, erklärt der in Bangkok geborene Designer, der die gesamte Nachstrickproduktion der Marke übernimmt .

Obwohl wir einen wiedererkennbaren Markencode entwickelt haben (eine seltene Leistung, die es wert ist, gefeiert zu werden), erwarten Sie nicht, dass Sie von Nong Rak nur Mohairwolle sehen. „Wir entwickeln uns mit jedem Schritt weiter“, sagt Home, und Spontaneität bleibt für das Paar an erster Stelle. „Der spontane, kreative Prozess von Nong Rak ist eine treibende Kraft und einer der Hauptgründe, warum wir in unserer Arbeit so viel Wert auf Handarbeit und Sentimentalität legen“, beschreibt Cherry. „Und durch Experimentieren finden wir langsam Richtungen, die für uns am sinnvollsten sind.“

„Bei dem, was wir tun, herrscht eine gewisse Ehrlichkeit und Aufrichtigkeit, und ich denke, es kommt nicht nur auf das Handwerk an, sondern auch auf die menschlichen Hände hinter dem Handwerk“, erklärt Designer Lukhanyo Mdingi, sein Ton so sanft wie seine Worte. Als gemeinsamer Gewinner des LVMH-Karl-Lagerfeld-Preises 2021 ist der in Kapstadt ansässige Designer zu einer prominenten Figur in der Strickwarenszene geworden, weil er Verbraucher an die Kunsthandwerker hinter seiner Arbeit erinnert. Im Gegensatz zu einem vollkommen präzisen Pullover, der von einer Maschine hergestellt wird, möchte Mdingi, dass Sie wissen, dass seine Kleidung mit Liebe von jemandem hergestellt wird, der eine tiefe Verbindung zur Arbeit hat.

„Die Herkunft von Kunsthandwerk und Textilien ist uns wirklich wichtig“, erklärt der Kandidat für den LVMH-Preis 2021, der maßgeblichen Einfluss auf Südafrikas umfangreiches Erbe in der Merinowolle- und Angoraziegenzucht hat. „Mehr als alles andere wollte ich sehen, wie ich diese starke Geschichte meiner Kultur in die Entwicklung unserer Kleidung einbringen kann.“

Und angesichts der Tatsache, dass Luxusmode bekanntermaßen exklusiv ist und an eine unpersönliche Nische der Branche grenzt, wirkt Mdingis von Menschlichkeit geprägter Ansatz wie eine Subversion. „Ich glaube, es kommt ziemlich selten vor, dass man mit unglaublichen Kunsthandwerkern zusammenarbeitet, die sich auf den Geist des Handwerks konzentrieren, weil er Teil ihrer Abstammung ist. Es ist unglaublich wichtig, dass sich dies in unserer Marke widerspiegelt, weil wir möchten, dass dieses Gefühl mit der Essenz des Textils spürbar wird.“ „Es bringt den Sinn für menschlichen Einfallsreichtum und Sensibilität in zeitgenössisches Design ein“, erklärt er.

Der Designer betont, dass sein südafrikanisches Erbe zwar eine herausragende Rolle in seiner Arbeit spielt und ein Großteil seiner Kleidung an den Ost- und Westkap des Landes handgefertigt wird, das Label jedoch nicht auf diesen einen Teil der Welt verbannt ist. „Unsere Marke ist global; wir sind nicht auf einen Produktionsbereich beschränkt“, sagt er und erklärt, wie er auch mit italienischen Herstellern für Teile zusammenarbeitet, die eine stärkere industrielle Produktion erfordern.

„Durch diese Partnerschaften kann unsere Marke diesen Hybrid haben, der nicht nur sehr raffiniert ist, sondern auch einen aufrichtigen und ehrlichen Geist in sich trägt, der auf dem inhärenten handwerklichen Element von Strickwaren beruht“, erklärt Mdingi. „Es ist dieser kollaborative Geist, den ich in unserer Marken-DNA und in den einzelnen Teilen selbst haben möchte.“

Die Frau von Roberta Einer ist Kylie Jenner. Sie sind Megan Fox und Jorja Smith. Sie trägt Pulloverkleider mit gerippten Ausschnitten und verspielte Häkel-Miniröcke, die weit von den Granny Squares entfernt sind, die Sie gewohnt sind. Ihr Stil strotzt nur so vor kompromisslosem Sexappeal. Aber sie ist auch du – wer auch immer das sein mag.

Einer erzählt Marie Claire über Zoom: Wenn man experimentierfreudig ist und ein echtes Interesse an Mode hat, dann ist man Teil des Clubs. „Unsere Marke richtet sich an eine Reihe verschiedener Frauen: Von schwedischen Mädchen über Mädchen aus Atlanta bis hin zu Frauen, die an der französischen Riviera Urlaub machen oder in Miami feiern“, sagt die Absolventin der University of Westminster und Central Saint Martins mit einem Lächeln. „Es ist für starke Frauen, die, wenn man sie in unserer Kleidung sieht – die viel Charakter hat – nicht das Gefühl hat, sie zu tragen. Sie tragen die Kleidung, und man merkt, dass sie selbstbewusst sind. Alle.“ Daraus ergibt sich als Mischung der perfekte Typ eines Roberta-Einer-Mädchens.“

Das in London ansässige Label ist sechs Jahre alt, hat aber erst im Jahr 2020, in den dunklen Tagen der Pandemie, als alles, was man tun konnte, darin bestand, auf dem Handy den Untergang zu scrollen, so richtig damit begonnen, seine vielseitige, vielfältige Fangemeinde um sich zu scharen. „Über soziale Medien haben wir eine Gemeinschaft von Menschen geschaffen, die von einem besseren Leben nach COVID träumten“, teilt der estnische Designer mit.

Kurz gesagt: Einer, der sich bei Traditionshäusern wie Balmain und Alexander McQueen die nötige Erfahrung gemacht hat, beherrscht das Konzept des Instagram-Dressings. Sie haben auf Ihrem Feed definitiv ihr charakteristisches Bianca-Kleid gesehen, ein rückenfreies, asymmetrisches Strickkleid mit durchsichtigen Einsätzen. Aber ihre Arbeiten sind mehr als nur Statement-Kleider, die man für Fototermine anzieht, sie tragen ein bedeutsameres und bewussteres Thema.

„Seit langer Zeit habe ich eine neue Vorstellung von sinnlicher Damenbekleidung, insbesondere Strickwaren, als etwas entwickelt, das einem Kraft gibt. Kurze, durchsichtige und lange, rückenfreie Kleider, Farben und Muster, die sonst kitschig oder billig wirken würden.“ , oder was man vielleicht sogar als antifeministisch bezeichnen würde – in meinem Kopf sehe ich das umgekehrt“, sagt die 30-jährige Kreative. Ihre provokanten Strickkleider und Häkeloberteile helfen Frauen dabei, ihre Kraft zu entdecken, die laut Einer das Herzstück ihres Labels ist. „Meine Idee hinter [Roberta Einer] ist, dass wir einen Traum verkaufen – eine Frau, die man sein könnte; erst dann erkennt man, dass man sie bereits ist.“

Garn in der Farbe eines grünen Waldbodens, gewebtes Gestrick, das an ein Spinnennetz erinnert, gefilzte Wolle, die einem Kokon ähnelt, der frisch von einem Ast gepflückt wurde – wenn man sich Lily Yeungs Arbeiten anschaut, wird deutlich, dass die Natur ein treibendes Thema in ihrer Arbeit ist. „Die organischen Formen und Linien, die bei Spaziergängen in der Natur entstehen, und Erinnerungen an die Interaktion mit Wasser und Erde übertragen sich unbewusst auf meine Arbeit“, beschreibt Yeung ihre selbstbetitelte Strickwarenmarke. Doch der in London und Los Angeles ansässige Designer kennt und verehrt die natürliche Welt über den bloßen Einflusspunkt hinaus genau.

„Materialien können so viele Geschichten und Kraft in sich bergen“, beschreibt Yeung, der Navajo- und chinesischer Abstammung ist. „Sie sind eine Möglichkeit, eine Verbindung zu einem Ort und einem Land herzustellen, Erinnerungen und Emotionen zu wecken. Wenn ich also die natürliche Schönheit dieser Materialien – wie natürlich gefärbte Fasern und Navajo-Churro-Wolle – in meine Designs einfließen lasse, fühle ich mich stärker mit dem Land verbunden.“ „Und“, fügt Yeung hinzu, „ich glaube, dass diese wohlüberlegten Entscheidungen in Bezug auf die Materialien Gespräche über Nachhaltigkeit, indigene Geschichten und die kulturelle Bedeutung von Materialien anstoßen können.“

Absichtlichkeit war für Yeung schon immer von entscheidender Bedeutung. Die Künstlerin wuchs mit Mode auf (beide Eltern sind Designer) und nutzte Textilien und traditionelles indigenes Handwerk, um sich lange vor der Gründung ihres gleichnamigen Labels mit ihrem Erbe zu verbinden. Doch als sie sich während der Pandemie der Häkelkunst zuwandte, kam ihr der Gedanke, ihre Bemühungen auf eine vollwertige Strickwarenmarke zu konzentrieren. „Ich habe viele meiner Emotionen und Gefühle durch Fasern verarbeitet und Kleidungsstücke geschaffen, die mich halten und mir das Gefühl geben, beschützt zu sein“, erklärt sie ihre Beweggründe für die offizielle Einführung von Lily Yeung im Jahr 2021.

Yeung hat den bahnbrechenden, emotionalen Kern ihrer Marke bei jeder Kollektion beibehalten. „Das Gefühl und die Körperlichkeit von Strickwaren ist etwas Persönliches, besonders beim Häkeln, wo jede Masche einzeln und von Hand gemacht wird“, erklärt die autodidaktische Strickerin. „Die Unvollkommenheiten und subtilen Ausdrücke, die in den Textilien zurückbleiben, verleihen einem Kleidungsstück eine Seelenfülle, die ihm ein menschliches Gefühl verleiht – und die Menschen fühlen sich damit verbunden. Etwas, das sich echt und einzigartig anfühlt, sticht in einem übersättigten Modeklima hervor.“

Wie Sie wissen, verläuft das Leben nicht immer nach Plan. „Wir planen und Gott lacht“, lautet ein altes Sprichwort. Aisling Camps, Gründerin der gleichnamigen Strickwarenmarke, ist mit dieser Stimmung bestens vertraut. Nach einem hartnäckigen, jahrelangen Versuch, in der Modebranche Fuß zu fassen, hatte Camps 2013 keine andere Wahl, als New York City zu verlassen und nach Trinidad zurückzukehren. Selbst mit zwei Abschlüssen – einem in Maschinenbau von der Columbia University und einem Bachelor of Arts in Modedesign vom Fashion Institute of Technology – konnte sich die Künstlerin kein Sponsorenvisum sichern, um ihren Aufenthalt in den Vereinigten Staaten zu genehmigen.

„Ich hatte all diese großen Pläne, aber die Umstände sagten mir, dass ich einen Umweg machen musste“, beschreibt sie. Und doch bleibt Camps dankbar für die Situation, obwohl das Leben sie unsanft in ihre Pläne gestürzt hat. „Es hat mir gezeigt, dass ich nicht die Kontrolle habe, und hat mich gezwungen, damit klarzukommen. Außerdem wurde ich als Erwachsener wieder in mein Land und meine Kultur eingeführt und konnte die Schönheit Trinidads auf eine völlig neue Art und Weise sehen“, erzählt sie.

Aber was macht ein Strickdesigner für das karibische Klima? „Logischerweise tragen wir in den Tropen keine Wollpullover, also bot sich mir eine einmalige Gelegenheit“, erklärt sie. „Ich habe mich auf Strickwaren und neue Kunden spezialisiert, die Kleidung für heißes, feuchtes Wetter brauchten. Außerdem sind wir in der Karibik kein konservativer Haufen – [meine Arbeit] musste ein bisschen Sexappeal haben.“ Eine Designperspektive, die sich auf skandalöse Strickwaren mit Ausschnitten und locker gewebtes Makramee konzentriert, das die Haut hervorblitzen lässt, nahm Gestalt an.

Doch kurz nach der Gründung ihres gleichnamigen Strickwarenlabels mit feinem trinidadischen Einfluss gewann Camps 2014 die Greencard-Lotterie und kehrte ironischerweise nach NYC zurück. Aber ihre Zeit im Big Apple erwies sich beim zweiten Mal als vorteilhaft. Berühmtheiten wie Cardi B, Gabrielle Union und Tracee Ellis Ross wurden auf ihre sinnlichen Pulloverangebote aufmerksam. Und nach einer Zusammenarbeit mit dem von Kerby Jean-Raymond geleiteten Pyer Moss im Jahr 2018 erreichte Aisling Camps offiziell den „It“-Status der Branche.

„Strickwaren haben eine so reiche Geschichte, aber die meisten davon sind europäischen Ursprungs, und traditionelle Strickwarendesigner neigen dazu, sich an klassische Formen und Maschendesigns zu halten, aber das hat mir nie besonders gefallen“, erzählt Camps Marie Claire. Obwohl sie mittlerweile in einem Studio in Dumbo, Brooklyn ansässig ist und die meisten Häkel- und Makramee-Stücke der Marke von Hand herstellt, bleibt Trinidad in Erinnerung. „Warum Arbeit schaffen, die schon oft gemacht wurde, vor allem, wenn ich keinen kulturellen Bezug dazu habe? Das ist für mich nicht aufregend. Ich möchte etwas anderes ausprobieren, ohne all diese Zwänge, wie man sein soll.“ einen Pullover stricken.

„Ehrgeizig“ scheint ein zu kleines Wort zu sein, um die in Kopenhagen ansässige Designerin Nadia Wire zu beschreiben. Der Absolvent des Central Saint Martins, in dessen Lebenslauf große Namen wie Iris Van Herpen, Peter Pilotto und Stine Goya zu finden sind, war schon immer dazu bestimmt, ein Bilderstürmer zu sein. „Ich wusste immer, dass ich Modedesignerin werden wollte“, beginnt sie ihr Gespräch mit Marie Claire.

„Ich wollte eine Marke gründen, bei der die Herstellung in die Existenz der Marke integriert ist, sodass ich eng mit der Produktion zusammenarbeiten kann“, erklärt der dänische Designer. Ihre Lösung bestand natürlich darin, alles von Grund auf selbst zu machen. „Im Jahr 2020 gründete ich meine eigene Strickerei und baute ein Team und einen Produktionsstandort auf, bevor ich meine Marke auf den Markt brachte. Mir war es wichtig, dass alle Aspekte des Unternehmens unter einem Dach zusammenarbeiten“, sagt der Gründer. Die Kleidung ihrer Marke – zum Beispiel grafische Pulloverwesten, transparente Rippenkleider und 3D-gestrickte Jacquard-Hosen – wird allesamt in der in Dänemark ansässigen Fabrik auf Bestellung gefertigt.

Wire erklärt, dass dieser durchdachte Produktionsprozess dazu beiträgt, Abfall zu reduzieren, da Umweltbewusstsein ein zentraler Grundsatz ihres gleichnamigen Labels sei. „Wenn man jedoch in der Modebranche arbeitet, kann man meiner Meinung nach nicht behaupten, dass man nachhaltige Kollektionen herstellt“, sagt sie. Allein die bloße Tatsache, einem ohnehin schon überlasteten und überproduzierten System mehr Lagerbestände hinzuzufügen, sei ihrer Ansicht nach unhaltbar. Dennoch versucht die Designerin, die Wirkung ihrer Marke zu minimieren.

„Wenn ich eine neue Kollektion entwerfe, suche ich immer nach Inspiration in meinem Textilarchiv. Alles basiert auf etwas, das bereits existiert, und ich erlaube niemandem, Reste wegzuwerfen, denn nichts ist Abfall“, erklärt Wire. „Außerdem codieren und programmieren wir alle unsere Stoffe direkt an der Strickmaschine, was bedeutet, dass jedes Produkt vollständig aus der Maschine kommt“ – oder, um es Laien auszudrücken, ohne überschüssiges Material.

Wenn man bedenkt, dass ihre Marke erst zwei Jahre alt ist (im Kleinkindalter fängt sie gerade erst an, längere Sätze aneinanderzureihen und das Konzept der Individualität zu verstehen), ist es bemerkenswert, wie viel Wire erreicht hat. Aber sie ist immer noch nicht zufrieden. Die Strickwaren-Außenseiterin hat große Hoffnungen, ihre Produktionsstätte zu erweitern und ihre Produktion im geschlossenen Kreislauf fortzuführen. Aber darüber hinaus sagt sie, die Zukunft liege nicht bei ihr.

„Ich befinde mich in einem ständigen Strickabenteuer, das sich in Richtungen weiterentwickeln wird, die ich nicht vorhersehen kann! Ich möchte Strickwaren ehren und würdigen, aber ich möchte sie auch herausfordern. Strickwaren sind ein weitreichender Begriff und ein Abenteuer, das weiter erforscht werden kann.“ als das, was bereits existiert. Wenn wir keinen Spaß daran haben, uns mit Mode zu beschäftigen, was bleibt dann übrig?“

In der farbenfrohen und kaleidoskopischen Welt von Zankov existiert Minimalismus nicht wirklich. Geometrische Drucke, die Ihrem Auge gezielt einen Streich spielen, und Farbblockierung mit jeweils fünf Farbtönen stehen im Zuständigkeitsbereich des Gründers Henry Zankov an erster Stelle. Am nächsten kommt man einer neutralen Variante mit der Interpretation des Argyle-Musters des Strickwarenlabels: Ein verzerrtes, clowneskes Rauten-Jacquardmuster in Kamel und gebrochenem Weiß mit schwarzen Akzenten.

„Ich habe das Gefühl, dass Farbe die Macht hat, sich zu verändern, und Druck kann ihr Spielplatz sein“, schwärmt die Designerin, die durch ihre Arbeit bei Labels wie Donna Karan, Diane von Furstenberg und Edun erstmals auf den Geschmack des Strickwarendesigns kam. „Durch die Injektion von Naturfasern und Garnen mit einem starken Einsatz von Farben und Mustern möchte ich [mit Zankov] eine Art visuelle Sprache etablieren, die langlebig und offensichtlich wiedererkennbar ist. Und das kann für mich zeitlos werden – etwas, das man immer macht.“ zurück als Grundlage und bauen Sie dann darauf auf.

Zankov wurde 2019 gegründet und hat seine Perspektive als Prêt-à-porter-Marke, die Wert auf originelle und, wie von jedem Luxus-Strickwarenlabel erwartete, hochwertige Handwerkskunst legt, fest etabliert. „Ich bevorzuge es, mit kleineren Produzenten zusammenzuarbeiten, die immer noch in Familienbesitz sind und geführt werden.“ Die in St. Petersburg geborene Designerin beschreibt die Alpaca Mill in Prato, Italien, ihre Handstrickerin mit Sitz in Brooklyn und die Frauenkooperative in der Region Lot in Frankreich, die besondere traditionelle Wolle züchten, die wir für unsere Handstrickwaren für Herbst/Winter 2022 verwendet haben “, führt Zankov aus.

Der FIT-Absolvent ist auch so etwas wie ein Aushängeschild für das jüngste Dopamin-Dressing-Phänomen in der Modebranche geworden. Schauen Sie sich seine vielseitigen, mehrfarbigen Poloshirts, groben, bequemen Strickjacken und Röhrenkleider im Stil von Piet Mondrian an, die alle ein Gefühl von hoffnungsvollem Optimismus hervorrufen.

„So klischeehaft es auch klingen mag, Mode hat die Macht, unsere Gefühle zu beeinflussen, indem sie ein Spiegel dessen ist, wer wir sind oder sein wollen“, sagt der russisch-amerikanische Designer. „Wenn ich also über eine Farbe oder eine Silhouette aufgeregt oder glücklich bin, bedeutet das für mich, dass ich es so gestalten muss, dass andere dieses [Glück] auch spüren können.“

Langsam aber sicher kreiert Zankov mit einem auffälligen Rollkragenpullover nach dem anderen eine Capsule-Garderobe, in die Maximalisten investieren können. „Was ich an Strickwaren liebe, ist, dass es sich um ein so zeitloses, von Hand berührtes Textil handelt, das sich auf natürliche Weise kostbar anfühlt.“ , wie ein Erbstück“, beschreibt er seine Anlagegüter. „Aus einem kleinen Garnfaden etwas zu erschaffen, ist eine spannende Reise, denn die technischen und visuellen Möglichkeiten sind endlos.“

Emma Childs ist Style Editor bei Marie Claire, wo sie über aufkommende Trends recherchiert, Einkaufsführer kuratiert und von den Must-Buy-Artikeln schwärmt, über die sie ständig nachdenken muss. Zuvor schrieb sie für TZR, Editorialist, Elite Daily und Mission Magazine und studierte Modewissenschaften und Neue Medien an der Fordham University. Wenn sie nicht gerade ausführliche Einblicke in die Mode schreibt oder die besten Stücke der Saison sucht, fummelt sie in Photoshop herum und durchsucht HBO Max nach der nächsten Show, auf der sie ihre Persönlichkeit aufbauen kann (derzeit ist es „Succession“).

Der Kevyn Aucoin The Duet Foundation Brush ist unsere Wahl für eine einsame Insel.

Von Samantha Holender

Zwei Wörter: Mädchen. Papa.

Von Iris Goldsztajn

Während der Dreharbeiten zu ihrem Cameo-Auftritt sah sie niemanden.

Von Iris Goldsztajn